lunes, 1 de noviembre de 2021

SAGAIL Analisis: Gundam: Hathaway’s Flash.

 






Impresiones.

Gundam: Hathaway’s Flash.  (Película, 2021)

(por Alquir)


“¿Cuál es el mayor enemigo de toda ideología? El tiempo, de la mano con el público, adicto a los resultados inmediatos.”

Cardeas Vist (Gundam Unicorn, Sunrise, 2009)


Por lo general en historia y en ficción existen varias interpretaciones de lo que muchos entienden por un villano o una figura antagónica. En especial aquellos villanos cuya vida y carrera hayan pasado ante el público desde héroes de guerra a líderes sociales, religiosos o políticos. A partir de aquí, esto suele ramificarse aún más si las ideologías que representan estos villanos o antagonistas terminan juzgadas como propias de visionarios para las épocas que vivieron, junto a quienes pueden llegar a heredarlas, sean ficticias o no. 

Para esta ocasión, existen dos versiones de Char Aznable, principal figura antagónica de la franquicia de Gundam, dos versiones que se han destacado más allá del humor interno dentro de los fanáticos de las series y películas estrenadas hasta la fecha. A través de una historia de lo que ha sido conocido durante sus cuatro décadas de existencia como el “Siglo Universal” (Universal Century/U.C.).

Por una parte, estamos hablando de la historia de un individuo que desde su infancia ha peleado toda clase de guerras, desde haber sido víctima de las intrigas políticas de su era, pasando por una guerra de venganza contra los responsables de su miseria, y cómo, sin detenerse en su marginación y persecución, sus opositores intentaron acabar con él y lo que quedó de su familia viviendo aun en la clandestinidad. 

                            

Como resultado, se presenta ante el público la historia de un individuo con una personalidad sociópata. Sin reparos en utilizar a otros para acabar con la vida de quienes intenten averiguar sobre su vida o interponerse en sus ideas de venganza durante una guerra que en menos de un año acabó con la mitad de la población humana en la tierra y el espacio. Para ver así años después del conflicto a un individuo que, en una tentativa de reformarse a sí mismo, intentaría también reformar a toda la sociedad cuyas conciencias quedaron “atadas a la gravedad de la tierra”. Un individuo que, frente a sus constantes decepciones por la misma humanidad que trató de cambiar, desde la serie original, hasta su encuentro final contra su némesis, la mayor y quizás única carga moral que ha tenido, fue la sola idea de que sus ideas de lograr la evolución y salvación de la especie humana viviendo en el espacio tengan como el medio para ese fin una guerra genocida. Sin contar el hecho de no haber podido salvar en su tiempo las vidas de las pocas personas que realmente le importaron durante todas las guerras que participó.

Otra versión que se tiene del mismo Antagonista, es la historia de un hombre que heredó casi en contra de su voluntad, los grandes ideales de su padre y sus seguidores sobre un futuro de libertad para el hombre común en el espacio, y quienes nacerán, vivirán y morirán en este. Un individuo con la nefasta suerte de haber sido arrastrado a bandos equivocados de distintas intrigas por el poder político de distintos Estados y autoridades de su época. En los que la nobleza de su carácter y discursos en su juventud ante el público fueron con los años en total contradicción con sus métodos y legado sangrientos, dejados por su propia niñez hasta una adultez que no pudo soportar el peso de dichos ideales frente a una realidad y sociedad que se esforzaron en contra de éste. Sin ver en nadie excepto en su peor enemigo a alguien capaz de entender la extensión de sus ideales. Al no quedar nadie de los que apreciaba con vida para ese punto de su existir.




Parafraseando ciertas escenas y segmentos presentados en las últimas entregas de la franquicia, entre estas la serie de OVAs Gundam Unicorn y la película Gundam Narrative; el “siglo universal” (Universal Century), en su mayor parte, es la historia de un hombre que aun desde los grandes ideales de una elite intelectual, en el fondo, nunca aprendió a amar a la humanidad. Un hombre cuya antítesis y destino las encontró en otro hombre, quien, desde la gente común, ligada a ese presentismo que su entorno y erudición tanto denunciaban, fue capaz de representar el ideal del individuo que durante su juventud y a pesar de las guerras que sobrevivió, se hizo a sí mismo y evolucionó por su propia cuenta. Logrando entender las bases detrás de sus ideales, pero sin perder la esperanza por la humanidad a pesar de haber sufrido similares tragedias que él.

En el caso de la película Hathaway’s Flash, creada en conmemoración por la cuarta década de vida de la franquicia hasta el presente día, la principal apuesta de dirección en su primer acto es el presentar una aproximación más reflexiva a lo que se acostumbra en la franquicia. Una aproximación que es muchas veces reducida a segmentos de Ovas o especiales que resumen temporadas de otras entregas a través de los años. Esta es el enfoque sobre la sicología de los personajes que son testigos de un conflicto bélico que va acontecer, sean tanto partícipes o los responsables. La prueba detrás de esto es como las primeras escenas desde el ataque terrorista en el transbordador de pasajeros. En las que Hathaway Noa, hijo del general y para entonces héroe de guerra Bright Noa, observa constantemente a la gente a su alrededor, mientras lucha consigo mismo para encontrar la resolución necesaria para llevar a cabo sus planes de revolución, como líder de una organización que fue declarada terrorista por el gobierno de la federación terrestre.





Esto ya de por sí es una carga adicional para su conciencia desde que, en el principio, ya asume que no es una figura política carismática como lo fue Char Aznable, o una leyenda militar dentro de la federación como lo fue Amuro Ray. Él es el hijo de otro héroe de guerras en las que una de ellas le arrebató su inocencia y a la vez a una persona por la que hizo de todo para salvarla. Y todo lo que ha hecho y hará desde ese entonces con su vida será bajo la sombra del legado de quien fue su propio padre. 

Esa es quizá la razón principal por la que viaja a la tierra en vez de mantenerse en la clandestinidad de su grupo terrorista. La película presenta a alguien que busca ver los rostros de la gente quienes sus acciones puede terminar matando. Ver si puede a pesar de eso, continuar y reafirmar sus motivaciones. Esto no hace más que escalar cuando no se limita a solo observar, sino también a caminar y escuchar a los civiles que habitan la ciudad de Davao. A escuchar lo que tienen que decir y si acaso el discurso de Mafty, el grupo de guerrilleros que lidera se ha ganado o no el aprecio de las masas.

Pero a partir de esto llega a entender que la gente no sabe o no quiere ver el futuro a largo plazo. Solo se preocupan del presente y son capaces de dejar pisotear sus libertades por cualquier autoridad con tal de obtener una garantía de paz. Algunos a conciencia de las guerras que generaron tal ansiedad por esas garantías que los “atan a la gravedad de la tierra”. Por este tipo de cosas Hathaway, similar a Char en sus últimos años de vida, no quiere ser el villano. Quiere ser visto como un mesías para la humanidad. Completar el sueño de Zeon Deikun y posteriormente de Char. Que los humanos ya habiendo migrado todos hacia el espacio puedan alcanzar su siguiente etapa en la evolución como especie y convertirse en Newtypes. El nombre que se le dio a esta nueva fase a los que llevarán al futuro en el espacio.


                                 

De forma lenta pero segura, Hathaway se dará cuenta que la gente común al solo vivir preocupados por el presente, necesitarán ser “golpeados por la realidad”, ser “forzados a despertar”. Y ya asumiendo que por estas ideas la historia lo condenará como a un villano, se asegurará de llevarse consigo en ese legado sangriento a cuanto y a cuantos pueda del gobierno de la Federación como arquitectos de esta distópica realidad. Arrebatándoles y robando lo que fue durante toda su historia el máximo símbolo de su poder y autoridad sobre la tierra y las colonias en el espacio. Y usarlo como un estandarte de batalla contra el resto de sus arsenales. Como un punto de reunión para todos los patriotas de las colonias que no quieren la hegemonía de una autoridad que además de haber arrebatado credos, libertad y soberanía a masas y naciones, fueron cómplices cuando no los responsables de haber continuado con las mayores masacres de su era. Donde sus puntos de redención apenas los hallaron en haber luchado contra los genocidios que habían proyectado sus opositores directos en aquellos años.

Todo esto como partes de la connotación trágica que tendrá esta historia, al continuar más la forma de dirección que tuvieron secuelas de la serie original de 1979, como fueron Zeta Gundam y El contraataque de Char más que de otras entregas más esperanzadoras en su tono como Unicorn. Presentándonos así la historia de un joven que se le permitirá a la audiencia entender lo que pasa por su mente en esta trilogía de películas. La que establecerá al protagonista que entendió tanto las ideas y rivalidad que tuvieron Char y Amuro, y que, aun enfrentándose a su propio pasado, intentará a su modo convertirse en una esperanza para el futuro de la humanidad. Iniciando así el acto final, o más bien, el “largo epílogo” que le hizo falta durante años al creador de la película “El contrataque de Char”. En la que un hombre que aun con el poder político y militar, no creyó en que la humanidad podía mejorar por sí sola se enfrentó a aquel quien, creyendo en la humanidad, no tuvo más que su propia fuerza. Es así que habiendo su heredero hallado un punto neutro entre ellos, luchará por forzar los cambios, o morirá en el intento.

Para este punto ya habrá notado la audiencia que esta historia, en un similar tono a lo que fue Gundam: The Origin, no la verán desde el punto de vista de un héroe como protagonista, más bien de quien será juzgado como el villano de la misma. Pero, así como los ideales de Char serían rescatados décadas después en entregas como Gaia Gear, es muy probable que también la narrativa imperante, en contra de la independencia y autonomía de las colonias en el espacio, haya surgido un sesgo que termine siendo juzgado como tal. No es para menos si los argumentos se pueden resumir en que las colonias de la Luna a marte encabezaron tres guerras en las que dos casi exterminan más de la mitad de la humanidad y por extensión la vida en el planeta.

En el apartado de la banda sonora, como contraste con El contrataque de Char e Unicorn que en sus estilos musicales la orquesta en cierto modo. profetizan el fin de una era “perteneciente a los dioses”, la banda sonora en Hathaway’s Flash, por otra parte, llega anunciando el final de esa era. Esto a nivel de contexto y diseños mecánicos, se traduce en cómo los últimos prototipos militares, el Xi y el Penélope serían los últimos modelos producidos por la corporación de desarrollo de armas Anaheim Electronics, los últimos fantasmas que recordarán a la población de las atrocidades que caracterizaron el inicio del siglo universal y las décadas de la guerra de un año junto a los posteriores conflictos de la federación contra facciones extremistas como fueron Neo-Zeon. Y una de las principales razones por las que años después se creó el proyecto Formula, del que se derivarán unidades como los F90 y F91. Rompiendo así con la última autoridad en el desarrollo de tecnología militar que existía hasta entonces y entregando el desarrollo de armas a otras ramas de la federación y compañías militares privadas durante las décadas porvenir.

Y en plena alusión al programa y película llamada F91, la dirección de Hathaway’s Flash sobresale no en las batallas de Mobile Suits (los robots y vehículos principales con los que se pelean las guerras en esta franquicia), esta toma una propuesta más arriesgada en la que predecesores directos como Unicorn apenas pudieron acercarse en sus inicios y la última vez que se vio fue más en F91 y ciertos segmentos de The Origin. El énfasis en el punto de vista de los civiles y todos los individuos de a pie, que tienen la mala suerte de presenciar los horrores de la guerra en carne propia. 

En ese apartado, después de lo presentado en F91 y en 0080, otras entregas de la franquicia fueron capaces de compensar la falta de ese estilo de dirección al atreverse en cambio a contrastar la mentalidad que tuvo la franquicia antes y después de lo que fueron los atentados del 11 de septiembre del 2001, aunque haya sido por un tiempo más en universos alternos (como fue el caso de spinoffs que no tienen relación con la continuidad del siglo Universal, siendo incluso sus propias líneas temporales, entre ejemplos están Gundam SEED, Gundam 00 y Iron-Blooded Orphans). 

Es así como ésta última película, como respuesta, y mezclando a la vez el estilo que tuvo Tomino años atrás para dirigir historias como en F91, tuvo cierta audacia de mostrar algo mucho más cercano con las generaciones actuales. Al presentar los últimos incidentes y conflictos militares en medio oriente en lo que a simple vista serían solo otras escenas panorámicas del campo de batalla entre las fuerzas armadas de la federación contra lo que serían vistos por los civiles como grupos ecoterroristas. Y por contraste, y más cercano al primer mundo, se puede apreciar como la vida diaria de los civiles se realizan bajo un contexto de brutal represión. A través de una nueva división de la Federación como posible reemplazo de lo que una vez fueron ECOAS y décadas antes la organización de los Titanes. Conocidos aquí como los Manhunters (“Cazadores de hombres”) que se dedicarán a la deportación, persecución o eliminación de inmigrantes ilegales y todo posible sospechoso de terrorismo proveniente de las colonias con tal de prevenir la repetición de ataques y la destrucción ocurridas en lo que fueron Dakar y Torrington en los tiempos de Unicorn. Una institución que seguirá existiendo con esas funciones además de su rol como policía militar y antidisturbios. Incluso para los años posteriores en tiempos de películas como G-Saviour y novelas como Gaia Gear.


                                        

Como trilogía de películas independiente puede funcionar al presentarle al espectador el relato de un joven marcado por las pérdidas que tuvo en una guerra que vivió y peleó. Cuya realidad y acciones posteriores a esta le harán ser juzgado por la historia oficial como un terrorista o un villano.

Como trilogía de películas para el fanático de la franquicia. Es la conclusión que años atrás Yoshiyuki Tomino, director de las primeras series y películas, imaginó y plasmó en novelas para lo que fue la primera mitad del siglo universal, desde el punto de vista de los personajes que sobrevivieron todos los conflictos a través de las décadas desde la guerra de un año de la serie original, destacando a la familia de Bright Noa. Empezando así lo que serán las eras de la decadencia de la Federación y el posterior auge de facciones y Estados como La vanguardia de cruz de hueso en Júpiter y años después El Imperio de Zanscare y la balcanización de su hegemonía en las colonias espaciales.

Como trilogía de películas para el aficionado que conoció la saga desde los universos alternos, y en cierta forma, ya está familiarizado con la naturaleza trágica de la franquicia en lo que fueron la primera temporada de Gundam 00, las primeras generaciones de AGE, o los huérfanos de sangre de hierro, en cierto modo “se sentirá como en casa”. Al enfrentarse a una historia ligada a los temas del terrorismo, los fantasmas de la guerra y a los ideales de un joven enfrentado a una era y una realidad que harán todo lo que esté en su disposición para oponérsele.

Como conclusión, para este punto de la historia de la franquicia, algunos patrones en común del siglo universal han sido el cómo los grandes ideales, en un tono similar a otros productos audiovisuales, han fracasado desde el momento que sus miradas a largo plazo han sido proyectadas y forzadas en medidas a corto plazo. Olvidando que por mucha que sea la anticipación de sus líderes, seguirán enfrentados contra la gente común esas mismas quienes, sin muchas ataduras con el pasado, pero tampoco demasiadas preocupaciones por el futuro lejano. Así como estas masas son adictas a los resultados inmediatos para su propia conveniencia, son también reacios y de férrea resistencia a ideas totalitarias que desafíen su propia paz, sea a nivel interno o externo. 

También la franquicia, como último mensaje a la audiencia. A su modo ha presentado que todos estos nobles ideales con los siglos pueden irse cumpliendo, pero no necesariamente gracias a las iniciativas y resultados de quienes dejaron estos. Más bien, lograron cumplirse, a pesar de quienes los encarnaron. Todas estas tragedias que han condenado siglos de historia son porque “los intelectuales siempre sueñan con revoluciones, pero la realidad les incita a inspirar o tomar medidas nefastas. Siguiendo todas esas revoluciones, las pasiones por estas suelen ser tomadas por la mediocridad que tanto dicen odiar. Algo que irónicamente llevan a estos intelectuales a marginarse eventualmente de la sociedad y volverse reclusos de sus propios ideales” (Tomino, 1988). En el caso de sobrevivir a estos.


sábado, 15 de agosto de 2020

Momentos tristes en videojuegos extra-2

Momentros tristes en videojuegos, EXTRA:
.Hack//Infection-Quarantine

 

Advertencia: Nivel de spoilers = Muy alto.

"Desconocido es el lugar donde la Ola maldita nació...

Tras cruzar las estrellas del firmamento.
...El cielo oriental se oscurece y llenó el aire de pesar.


De la tierra elegida más allá del bosque, un signo de la Ola llega.

Montado en su cima está Skeith, la sombra de la Muerte, para todo ahogar.

El espejismo del Engaño, Innis, a todos traiciona con la deforme imagen, que a la Ola ayudó.


Por el poder de Magus, una gota de la Ola alcanza los cielos,
y crea una nueva Ola.

Con la Ola, surge Fidchell, y el poder de predecir el futuro: la esperanza se oscurece, reinan la tristeza y la desesperación, Gorre intriga cuando es tragado por la Ola maldita.

Maha seduce con la dulce trampa. La Ola alcanza su cima,
y ninguno escapará.

Tarvos permanece, más cruel, para castigar. Para destruir.

Y con tan turbulenta destrucción. Tras la ola, solo queda el vacío.
Y de las profundidades de ese vacío llega Corbenik.

Quizá entonces la Ola es solo un comienzo también..."


martes, 21 de julio de 2020

Momentos tristes en videojuegos EXTRA-1

Momentos tristes en videojuegos (extra)



Nota: La mayor parte de este articulo fue gracias a Sagail.

Existen por lo general dos formas para contar una historia. Una forma es relatarla a través de las vivencias de los personajes que las protagonizan y el cómo van desarrollando su mentalidad y acciones según el tipo de viaje o arco de personaje que tengan. Quedando el mundo que les rodea y los conflictos que les afectan en un plano secundario. Esto en cierta forma ayuda a que el espectador o público conozcan mucho más, o empaticen en mayor o menor medida con los personajes del elenco, al ser estos el centro de la trama. Ejemplos hay varios, pero para dejar una idea general, novelas como la saga de La Torre Oscura, series como Berserk o videojuegos como Final Fantasy en la mayoría de sus entregas numéricas son un buen ejemplo de estos.
Otra forma de relatar una historia, es enfocándose la construcción de su mundo, el conflicto que acontece y se lleva a través de distintas facciones, como los ideales que estos representan. En este tipo de historias sus creadores pueden disponer de la vida o la muerte de distintos personajes con mayor libertad en medida que sus arcos de desarrollo, además de poder ser más breves, también sus ideales o acciones pueden ser usados mejor ya sea en favor o en contra de sus vidas. Estos personajes son por tanto las piezas de historias contadas, en cierta forma, como una “partida de ajedrez”. Donde algunas veces el encanto de estos relatos es el descubrir quienes son los jugadores, y no unas piezas desechables en dicho tablero. cuando eso ocurre, a veces el público termina apreciando y valorando más la proactividad en los villanos y figuras antagónicas con la realidad que les rodea, donde el conflicto entre facciones, a pesar de todo, sigue siendo el centro y no sus personajes. Ejemplos de este tipo de narrativa se pueden encontrar en sagas escritas como Canción de hielo y fuego, en algunas series de la franquicia Gundam (a pesar de tener entregas que se narran de la otra forma), y videojuegos como la saga Shin Megami Tensei.
Es precisamente de esta forma de contar una historia, y a pedido de algunos comentarios, que hemos de resaltar en esta ocasión dos videojuegos. Que a pesar de que sus historias llegan a ser enfocadas por la construcción y conflicto de sus mundos antes que el desarrollo de sus personajes, logran tener momentos especialmente trágicos. Tanto para sus protagonistas, como para quienes la realidad y futuro dependen de sus decisiones. Sin más que decir, comenzamos.

sábado, 13 de junio de 2020

Analisis Devilman Grimoire


Devilman Crybaby fue una adaptación de la cual había mencionado que considero con muchos problemas que perjudican la experiencia y tiñe el mensaje que la obra quería dar. Pero aquella obra no fue la única representación del personaje para una celebración relacionada a Go Nagai. Hoy quiero hablarles de un manga que salió para el aniversario número 40 de Devilman, es el conocido como Devilman G o Devilman Grimoire. Un Manga de Rui Takato del año 2013 con un total de 5 volúmenes y que resulta ser una experiencia bastante particular.
Para empezar, no estamos ante un remake de la historia clásica del manga, ni una versión Shin como tampoco un spin off, ni siquiera una suerte de reimaginación añadiendo cosas. En cambio, es un homenaje no solo a la historia del manga, sino a toda la trayectoria de Devilman, entre lo que tenemos hasta el presente; la serie de televisión, las secuelas como Devilman Lady, las historias alternativas como Apocalypse of Amon e incluso Demonlord Dante. Sin embargo, lo que hace con estos personajes es muy diferente a lo que uno esperaría. El manga juega mucho con la perspectiva de un lector que ya conoce la historia original y varias otras, aprovechando de eso para jugar con las expectativas y subvertir muchos elementos que se daban por sentado, es realmente un manga lleno de sorpresas. Para decir algo, Rui Takato decidió quitar a Ryo de la historia, ya que sentía que de mantenerlo estaría contando lo mismo que en otras versiones de Devilman, en su lugar aprovechó para desarrollar otros personajes como Miki, quien es la protagonista indiscutida y veremos la narración usualmente desde su perspectiva, cambiando de vez en cuando a otros personajes. El manga hace maravillas con Miki, aquel personaje que suele ser menor en las otras encarnaciones, aquí no solo participa activamente, sino que tiene un desarrollo bastante logrado, dando como resultado un personaje bastante trabajado y cuidado con varios matices que van más allá de solamente su relación con Akira.


No, no es Ryo.

Takato supo entender la obra original, y a pesar de todos los cambios, mantener la moraleja del mismo, pero con un giro. El mensaje antiguerra de Devilman es que el odio y la falta de empatía pueden provocar una guerra sin sentido en la que todos pierden, acrecentado por la paranoia y la histeria colectiva que crea un ambiente donde se muestra lo más corrupto, siniestro y demencial del ser humano, y donde los propios humanos son los verdaderos demonios. En esta ocasión mantiene aquello, pero tratado desde el punto positivo, una llamada al mutuo entendimiento y la cooperación, buscar la forma de vencer al odio y empatizar con los demás para hacer grandes cosas, buscar la luz al final de ese mar de demencia.
Pero antes de seguir, mejor veamos de que va exactamente el manga y como se maneja.



Miki la brujita

Luego de una escena prólogo que realmente ocurre tiempo después protagonizada por Jinmen, el demonio con forma de tortuga demoniaca, vamos al primer capítulo del manga. Aquí conocemos a Akira y Miki, Akira, al igual que sus otras encarnaciones, es presentado como un chico bueno y bondadoso, algo cobarde y frágil que intenta evitar conflictos. Este vive por varias razones en la casa de su amiga de la infancia, Miki Makimura y es acosado por los matones de la escuela comandados por Asuka Himura, quien a pesar de su apariencia no es Ryo, sino Iwao Himura del show de televisión clásico. Este es acompañado por Miko, otro personaje recurrente en las encarnaciones de Devilman. Por su parte, Miki en esta versión siempre jugaba a las brujas con Akira cuando eran niños, con un objeto que ella llamaba el anillo de Salomón y al ir creciendo fue manteniendo ese rasgo de personalidad, aprendiendo magia negra, estudiando ocultismo y otras cosas, por lo que va a todas partes con su capa y sombrero de bruja, siendo vista como un bicho raro por sus compañeros.
En medio de todo aquello, los demonios empiezan a aparecer devorando víctimas humanas sin hacerse notar, entre ellas hubo un caso que ocurrió mientras los matones de Asuka estaban teniendo unos minutos de placer con unas supuestas prostitutas, estas se transforman en demonio y devoran a la mayor parte de los matones, dejando el paradero de Asuka y Miko desconocido. Las amigas de Miko se preocupan por ella y quieren buscarla y ahí es cuando la trama empieza a moverse. Miki y unas escépticas compañeras de clase hacían un ritual mágico para tratar de encontrar la ubicación de Miko cuando sin que nadie lo esperase, un grupo de demonios aparece en el mismo y empiezan a masacrar una por una a las chicas solo quedando una Miki aterrada que no puede creer lo que está pasando junto a un aterrado Akira quien toma su mano intentando que escapasen, pero termina sucumbiendo ante el poder de sus oponentes, quienes lo atacan por detrás cortándole la pierna, pero en un momento de desesperación Miki conjura un hechizo y convoca al demonio Amon en el cuerpo de Akira sin notarlo. Este adquiere su forma demoniaca y usa sus poderes para acabar con los demonios, sin embargo, al igual que la serie de televisión, te presentan esta transformación no como un Akira controlando a Amon, sino como Amon, quien toma el total control sobre el cuerpo de Akira. Dejando la pregunta sobre lo que le ocurrió al chico como un misterio por mucho tiempo.


Amon

Amon es un ser agresivo, sanguinario y no tiene piedad por nadie, una de las primeras cosas que intenta es comerse a Miki a sus espaldas, pero algo en su interior no permitía hacerle daño, así que no tuvo de otra que seguir la farsa diciendo que es Akira y que cambió un poco debido a la invocación demoniaca. Miki por su parte hace varios intentos por descubrir lo que le ocurre a su amigo de la infancia sometiéndolo a varios conjuros, pero finalmente terminan con una relación de simbiosis entre invocadora y demonio similar al dúo de protagonistas de shin megami tensei: Soul Hackers, siendo que Amon necesita a Miki para poder luchar al 100%.
Así es como Amon y Miki inician aventuras donde tendrán que ir enfrentando a diversos demonios, siendo Amon al principio forzado a luchar por buenas causas por Miki, pero lentamente empezaría a sentir la calidez humana en su corazón y un deseo ferviente de luchar por la gente que le importa, especialmente a Miki, con quien poco a poco irán formando un vínculo. Haciendo de ambos un dúo que se complementa bastante bien, mientras luchan con algunos enemigos del manga, la serie de animación y de otros medios. Si bien algunos son similares, en su mayoría se ejecutan bajo conceptos diferentes. De por sí, la forma en que te presentan la existencia de los mismos como la mitología dentro de su universo es diferente y más vinculada al poder de los humanos de creer en algo, razón por la que Miki logra hacer una invocación exitosa bajo las condiciones correctas.


Miki investigando el estado de Akira

A ello se le suman otros personajes secundarios, algunos con más cámara que otros que se irán sumando lentamente al cast, y también algunos que hacen cameos, como Jun Fudo siendo profesora en la escuela. No puedo mencionar mucho más sin narrar los giros argumentales y sorpresas que irían ocurriendo en la trama, pero estos son gratamente recompensados si mínimo han leído antes el manga original para ir notando la forma en que se subvierten muchos elementos del mismo.

Hablando del dibujo, el mangaka usa un estilo muy distinto al de Go Nagai, con un aspecto general más moe y delgado para los humanos, aunque conservando el aspecto más salvaje y musculado para los demonios, un contraste que logra funcionar gracias a la manera en que se amolda en un todo, sus diseños son bastante expresivos y funcionales en general, algo que logra captar muy bien el tono de combinar momentos cómicos con escenas de acción, sangre, algunas escenas subidas de tono y chistes verdes como el propio Nagai hace en sus historias. Así podremos pasar de chistes de Miki haciéndole un enema a Tsubasa a escenas como un enfrentamiento tenso entre Miki, Amon y la amenaza de turno.
El manga termina con unos pequeños comentarios del mangaka donde recuerda cuando le ofrecieron hacer un remake de Devilman para el aniversario, dudaba de ser la persona indicada, ya que no era tan fanático de ese manga. Aunque sí tuvo contactos con otras obras del mangaka, como Mazin saga y Jushin Liger, siendo Devilman Lady la primera vez que pudo leer algo relacionado a Devilman. Además de que tuvo una adolescencia marcada más por Sailor moon y Evangelion que por Nagai, a pesar de que él estaba consciente de cómo esas obras eran un clásico de culto. Pero luego fue viendo más y más cosas de Nagai, como Mazinkaiser, las versiones Shin y Flash de Cutey Honey y Getter Robo.

El mangaka menciona que hay muchos autores que crecieron catalogados como “chicos devilman”, por la enorme influencia que tuvieron por el manga de Go Nagai, quienes creaban obras que destilaban el amor que tenían hacía esa obra. Por lo que se sintió intimidado al ser el a quien le fue encargada una labor así. Pero entonces se puso serio y empezó a encarar como contar la historia, como había dicho anteriormente, él pensó que ya teníamos suficiente de Ryo Asuka. Aunque comercialmente hubiera sido más efectivo, no quería repetir otra vez lo mismo. Luego se preguntó cuál sería la forma de usar a Akira en un mundo sin Ryo, ya que originalmente era el humano que eligió Satán. Mencionando que en la obra original el verdadero Akira del cual se enamora Satán es una personalidad que no se llega a conocer realmente debido a que una vez se fusiona con Amon, a pesar de mantener el deseo de justicia, su personalidad se distorsiona, influenciada por el demonio. Su interpretación fue que Akira es un chico que va desapareciendo por las desgracias del destino, pero esta vez quería que esas desgracias sean la base de la historia sin importar quién es el causante tras bambalinas.



La relación cooperativa de ambos protagonistas.

También decidió otro punto, la revancha de Miki. En el manga original, Miki es acusada de brujería, aquí pensó que sería interesante tomar ese concepto y volverla una bruja, a partir de ahí basar el diseño de los demonios y su alrededor en base a ello. Por lo que los demonios tenían un estilo más tradicional para que se sientan como invocaciones mágicas en lugar de las inspiraciones religiosas originales, a modo de poder destacar lo buena que es la obra original, pero a su vez diferenciarla de su versión.
Su historia se centró en 3 temas. La desaparición de Akira, la evolución de Miki y los problemas de Amon. Haciendo alusión que para quien quiera ver a la más cruda perversión humana al desnudo, siempre pueden leer el manga clásico.
El autor también se disculpa ante los lectores, porque debido a que la publicación debía reducirse a 5 tomos, debió rushear algunos elementos e ideas que tenía pensadas. Algo que se nota en el último volumen, tomándose algo de tiempo en aquel mensaje para explicar alguna de esas ideas, las cuales no mencionaré por spoilers.
Finalmente nos deja el siguiente mensaje.

“A veces los humanos podemos convertirnos en demonios, pero todos tenemos el poder de ser buenas personas, de parar antes de lastimar a alguien o a nosotros mismos. Dibujé este manga para transmitir una vez más ese mensaje de esperanza. Si logré que eso haya llegado al corazón de un lector, me doy por satisfecho.”